La obra, escrita y dirigida por Gabriela Ochoa, ha logrado consolidarse como uno de los montajes contemporáneos más destacados de la escena nacional gracias a una propuesta que combina teatro, música en vivo, máscaras, humor y una poderosa narrativa visual para abordar uno de los territorios más complejos de la experiencia humana: la memoria.

La historia comienza cuando un hombre, perdido en medio de una tormenta, se encuentra con tres enigmáticos payasos que lo convencen de entrar en una feria abandonada. A partir de ese momento inicia un recorrido por diversas atracciones donde revive episodios aparentemente olvidados de su infancia. Lo que en un principio parece un juego lleno de imaginación pronto se transforma en una experiencia inquietante, donde los recuerdos adquieren nuevas formas y la frontera entre la realidad, el sueño y la pesadilla comienza a desaparecer.

Los misteriosos payasos reconstruyen frente al protagonista el universo de su niñez. Recrean la casa donde creció, interpretan a los personajes que marcaron su pasado y lo invitan a recuperar el espíritu lúdico que alguna vez definió su infancia. Sin embargo, conforme avanza el viaje, aquello que parecía un reencuentro con los recuerdos felices revela una memoria profundamente escondida. Enfrentarse a ese acontecimiento olvidado será la única posibilidad de escapar del laberinto construido por su propia mente.

Como explica su directora, Algodón de Azúcar reflexiona sobre la relación que las personas adultas mantienen con su infancia y sobre la manera en que ciertos recuerdos permanecen ocultos durante años hasta encontrar el momento de salir a la superficie. La obra explora el desbloqueo de una memoria traumática, pero también celebra la imaginación, la inocencia, el juego y la capacidad de asombro que caracterizan esa etapa de la vida, construyendo un delicado equilibrio entre la fantasía, el humor y la oscuridad.

Desde su estreno, el montaje ha sido reconocido tanto por la crítica especializada como por el público. En 2025 recibió el Premio Talía al Mejor Espectáculo Latinoamericano de Artes Escénicas, otorgado por la Academia de las Artes Escénicas de España, uno de los reconocimientos internacionales más importantes para las producciones iberoamericanas. Asimismo, obtuvo los Premios Metropolitanos de Teatro en las categorías de Mejor Actor Principal, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Diseño Sonoro, además del reconocimiento de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) al Mejor Diseño de Iluminación, consolidándose como una de las producciones más premiadas del teatro mexicano reciente.

El elenco está integrado por Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero y Francisco Mena, quienes construyen un universo donde los personajes cambian constantemente de identidad para dar forma a los recuerdos del protagonista. A ellos se suman los músicos escénicos Paco Castañeda, en el acordeón, y Misha Marks, en la tuba, cuya presencia en escena aporta una dimensión sonora que acompaña permanentemente el tránsito entre la realidad y la imaginación.

La propuesta visual constituye uno de los mayores atractivos del montaje. La escenografía de Félix Arroyo convierte el escenario en una feria abandonada llena de símbolos; el diseño de iluminación de Ángel Ancona construye atmósferas que oscilan entre la fantasía y la pesadilla; mientras que la música original y el diseño sonoro de Genaro Ochoa acompañan emocionalmente el viaje del protagonista. A ello se suman el vestuario de Giselle Sandiel, el diseño de video de Azael Sáenz y Cristian Cabrera, las máscaras creadas por Felipe Lara y Gabriela Ochoa, la realización de máscaras y utilería de Felipe Lara, el maquillaje de Maricela Estrada, el diseño gráfico de Paco Argumosa y la asesoría coreográfica de Iván Ontiveros, conformando un universo escénico donde cada elemento contribuye a construir una experiencia profundamente inmersiva.

Originalmente coproducida por Teatro UNAM, Conejillos de Indias y Sempiterno Theatrum, Algodón de Azúcar ha demostrado que el teatro puede abordar temas complejos desde una mirada poética y profundamente humana. Su combinación de teatro físico, música en vivo, imágenes oníricas y una narrativa que dialoga con la memoria emocional convierte cada función en una experiencia que invita al público a preguntarse qué recuerdos permanecen ocultos y de qué manera siguen moldeando nuestra vida adulta.

Las funciones se realizarán el sábado 15 de agosto a las 19 horas y el domingo 16 de agosto a las 18 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Los boletos ya se encuentran disponibles en la taquilla del recinto y a través de Ticketmaster, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Admisión: Luneta $400, Primer Piso Central $350, Primer Piso $350, Anfiteatro $300 y Galería $ $200

Venta anticipada: Obtén el 30% de descuento en la taquilla del recinto o en línea con el código AZUCAR, válido hasta el 30 de julio del 2026

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, en las redes sociales: Facebook @TeatrosCDMX, X @TeatrosCDMX e Instagram @teatroscdmx

El cargo Algodón de Azúcar, regresa para dar dos funciones especiales 15 y 16 de agosto en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris apareció primero en La Chispa de Chiapas.

El Festival Internacional Pensamiento de Mujer (FIPEM) presenta su primera edición del 12 al 16 de agosto en la explanada del Centro de Tlalpan, con una amplia programación que busca hacer visible la generación de conocimiento, cultura y arte de las mujeres.

Impulsado por organizaciones de la sociedad civil, como la Fundación Intercultural Libertad Creativa y Objetiva (FILCO A.C.), la Fundación Elena Poniatowska Amor, Asociación Sophia, Fundación Rigoberta Menchú y el Consejo de Cultura Continua en Movimiento, en estrecha colaboración con la Alcaldía Tlalpan, encabezada por la alcaldesa Gabriela Osorio, el festival comprenderá cinco días de programación e incluirá más de 50 actividades entre presentaciones literarias, conferencias, conversatorios, recitales y espectáculos de danza y cine.

El encuentro reunirá a diversas generaciones de escritoras, periodistas, científicas y especialistas en distintas disciplinas, como Elena Poniatowska Amor, Ángeles González Gamio, Coral Bracho y Dahlia de la Cerda, así como a la ganadora del Premio Nobel de la Paz 1992, Rigoberta Menchú.

“FIPEM busca hacer visible todo lo que las mujeres han generado en términos de conocimiento”, subraya la directora del festival, Perla Arroyo.

“Hay muchos personajes en nuestra historia y cultura que han sido muy visibilizados. Sin embargo, no toda la generación de conocimiento por parte de las mujeres ha corrido con la misma suerte. Lo que queremos lograr con este festival es ampliar ese espectro, donde nuevas generaciones de niñas y jóvenes se sientan reflejadas y entiendan que su labor como generadoras de conocimiento, o cualquier producción que realicen, va a tener un eco no solo en su formación particular, sino también el desarrollo de nuestro país”, añade.

De esta manera, en la programación de la primera edición confluyen actividades relacionadas con la literatura, la ciencia, las artes, el cine, las artes escénicas y el pensamiento.

“Este festival nace como un espacio para reconocer, compartir y poner en diálogo el pensamiento, el conocimiento y la creación de las mujeres en distintas disciplinas, pero también tiene otras aristas para hacerlo un festival más completo. Nace de la literatura, pero también integra arte, ciencia e incluso filosofía”, comenta Perla Arroyo.

Además de contar con un foro denominado Julieta Fierro, donde tendrán lugar conferencias, presentaciones literarias, conversatorios y espectáculos de danza, teatro y música, en la explanada de la Alcaldía Tlalpan se instalarán diversos stands en los que participarán 90 editoriales nacionales e internacionales, además de algunas librerías especializadas en libros antiguos y ediciones de colección.

Perla Arroyo también destaca que, aunque es un festival pensado en torno a las mujeres, es un encuentro para ser “disfrutado por todos los segmentos de la población”.

Además de las múltiples actividades en el foro, durante las mañanas se ofrecerán más de 40 talleres gratuitos de disciplinas como serigrafía, grabado, bordado, joyería, encuadernación, arte y reciclaje, así como actividades de observación astronómica con telescopios. La programación estará dirigida a niñas, niños, jóvenes, adultos y adultos mayores.

Para Perla Arroyo, llevar la cultura a Tlalpan es también una manera de fortalecer la comunidad en una alcaldía que ya posee un gran valor cultural e histórico.

“Acercar la cultura a un lugar como este es primordial porque claramente enriquece a la comunidad”, destaca y agradece el apoyo de la alcaldesa Gabriela Osorio por su respaldo, su confianza y por poner en primer lugar a la mujer abriendo las puertas de la Alcaldía Tlalpan a este proyecto.

Para FIPEM es especialmente significativo que esta primera edición tenga lugar en una alcaldía encabezada por una mujer y que sea precisamente una mujer quien brinde su apoyo y acompañe la realización de un encuentro dedicado a reconocer el pensamiento, el conocimiento y las aportaciones de otras mujeres, señaló la directora del festival.

Entre literatura, música, astronomía y cine.

A lo largo de cinco días, el centro de Tlalpan acogerá una rica oferta cultural que comenzará el miércoles 12 de agosto, a las 11:00 horas, con una actividad inaugural, seguida de la conferencia magistral “Cuando el sol se oculta tras la luna”, a cargo de la astrónoma Luz Calderón, acompañada de una transmisión en vivo del eclipse solar que será visible en España.

En esta primera edición, FIPEM tendrá diversos ejes centrales. Uno de ellos será la literatura, que reunirá a escritoras de distintas generaciones y procedencias.

Entre las participantes destaca Elena Poniatowska, quien presentará el libro Rosario Castellanos. En los labios del viento he de llamarme árbol de muchos pájaros; Dahlia de la Cerda, autora de Medea me cantó un corrido; y Rigoberta Menchú Tum, quien presentará Cultura de paz.

El programa también incluye la participación de autoras como Mónica Navarro, con Aquí no hay novedad; Laura Juliana, con La primera vez que me enamoré; Lourdes Almeida, con Zurciendo la historia; y Glafira Rocha, con Transmutación.

A ellas se suman Coral Bracho, con Debe ser un malentendido; Michelle Ortiz, con Lo inevitable de nosotros; Anacaren Gutiérrez, con El tiempo entre mis dedos; y Celia Gómez Ramos, autora de Con M de menstruación.

La programación también contará con la participación de invitadas internacionales. Desde Madrid, España, las escritoras Ana Garriga y Carmen Urbita presentarán Instrucciones de novicias, mientras que la psicóloga y autora internacional Ramani Durvasula participará junto con la Dra. Gisela Chávez en una conversación en torno a No eres tú: identifica y sana tu relación con un narcisista, un espacio para reflexionar sobre las relaciones humanas, las dinámicas del narcisismo y las herramientas para reconocer y sanar este tipo de vínculos.

A esta diversidad de propuestas se integran espacios de encuentro y conversación como Chismecito Literario, con Magali T. Ortega, así como la presentación de Mereces más de lo que crees, de Karla Barajas.

El papel de las mujeres en los medios será abordado en el conversatorio “Mujeres en el periodismo”, con la participación de María Cortina y Blanche Petrich.

La ciencia tendrá una presencia destacada. Además de la participación de la astrónoma Luz Calderón, tendrá lugar la conferencia “Liderazgo femenino en la ciencia”, con la doctora Luz Selene Rincón, la doctora Renela Valladares y la maestra Verónica González Illescas.

También se llevará a cabo el encuentro “Mujeres que investigan y comunican la ciencia: ayer, hoy y mañana”, con Gabriela Frías Villegas.

La fotografía contará con diversos encuentros dedicados a las mujeres detrás de la cámara y a sus trayectorias. Paulina Lavista impartirá la conferencia “La mujer detrás del lente”; Cristina Kahlo participará en el conversatorio “Una vida en la fotografía”; y Vania Casasola presentará “Mujeres en el archivo Casasola”.

Además, en la Casa Frissac, situada en el centro de Tlalpan, tendrá lugar la exposición fotográfica Miradas de mujeres sobre la fotografía.

La música también será uno de los ejes centrales del encuentro. En esta disciplina destaca el conversatorio “Mujeres, música y letras”, con Ale Zeguer, Amanda Coronel y Griss Romero.

El programa también incluye la presentación de Ni que nos quedaran tantos, de la cantautora y escritora María San Felipe, así como un recital y conversatorio con Cecilia Rivera Martínez, Aleida Violeta Cisneros y América Trejo.

En las artes escénicas, el Ballet Joven CDMX presentará la pieza Fuga de flores, mientras que el cine estará representado por el estudio de animación Cinema Fantasma con el encuentro “Soy Frankelda. Las mujeres detrás de la película”, dedicado a reflexionar sobre la participación de las creadoras detrás de esta exitosa producción animada.

El cargo Festival Internacional Pensamiento de Mujer llevará literatura, ciencia, arte y cultura a Tlalpan apareció primero en La Chispa de Chiapas.

Para la delegación brasileña, según señaló durante la asamblea celebrada en la ciudad surcoreana de Busán, la inscripción del Teatro Amazonas —construido en 1896 en Manaos—, y del Theatro da Paz —de 1878 en Belém— tiene “una importancia particular”, porque constituye la primera vez que un bien cultural ubicado en la Amazonia de Brasil se suma a la lista.

Ante el comité de la organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, el presidente del Instituto del Patrimonio Histórico y Artístico Nacional de Brasil destacó el “logro histórico” que supone el reconocimiento de que, además de constituir un paradigma de patrimonio natural y ambiental, la Amazonía es productora de culturas, memorias e identidad.

“Se trata, por tanto, de un sitio patrimonial que muestra al mundo la riqueza de la diversidad cultural de la Amazonía brasileña”, dijo el delegado brasileño Deyvesson Israel Alves Gusmão.

Actualmente, estos espacios no sólo acogen representaciones de ópera y producciones teatrales, sino actividades de una amplia variedad artística, como la danza carimbó, jazz o cine.
Teatro históricos

Los dos teatros fueron construidos a finales del siglo XIX en los dos mayores centros urbanos de la Amazonia con los recursos generados por el auge de la explotación del caucho, cuando la demanda mundial del látex convirtió a la región en uno de los principales polos económicos de Brasil y permitió reproducir en el trópico el refinamiento cultural y arquitectónico europeo.

El levantamiento de esas construcciones en una región aislada y rodeada por la selva, adonde prácticamente todos los materiales debían llegar por barco tras cruzar el Atlántico y remontar el río Amazonas, resulta sorprendente incluso en épocas modernas.
El Teatro Amazonas se construyó en 18 en Manaos durante la bonanza de la extracción de caucho de la región
Fotografía del 26 de Junio de 2026 de la fachada del Teatro Amazonas en Manaos, Brasil. Crédito: EFE

Incluso inspiró la célebre película “Fitzcarraldo”, del director alemán Werner Herzog en 1982, y la ópera “Florencia en el Amazonas”, de los mexicanos Daniel Catán y Marcela Fuentes-Beráin, estrenada en 1996 y que recientemente fue la segunda ópera en español en la Metropolitan Opera House en casi un siglo.

Tanto el Teatro Amazonas como el Theatro da Paz acogieron durante décadas compañías de ópera, orquestas y artistas europeos que llegaban hasta la Amazonía atraídos por la riqueza de la región, convirtiéndose en símbolos del intercambio cultural entre América y Europa en los siglos XIX y XX.

El cargo La Unesco declara que los teatros de ópera de la Amazonia brasileña son parte del Patrimonio Mundial apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La obra cuenta la historia de Martina, una niña que enfrenta la ausencia de su padre migrante y que, para comprender el dolor que la atraviesa, emprende un viaje fantástico donde la imaginación transforma la realidad. A través de un universo poético lleno de personajes extraordinarios, aventuras y símbolos inspirados en la cultura guerrerense, la protagonista descubrirá nuevas formas de entender la pérdida, la esperanza y la resiliencia.

Creada por la compañía mexicana Raíz y Memoria, especializada en la producción de espectáculos escénicos para sala y espacios abiertos, la puesta en escena se inspira en la región de Tierra Caliente, Guerrero, incorporando elementos visuales, sonoros y culturales que dialogan con una de las problemáticas sociales más significativas de nuestro país: la migración.

El elenco está integrado por Bruceth Boyzo, Alondra Mina, José Uriel García Solís y Erick Herrera Borja, quienes dan vida a personajes humanos y fantásticos que acompañan a Martina en esta travesía de descubrimiento.

La dramaturgia de Mónica Hoth,y la dirección de Rodolfo Soto construyen un relato sensible en el que la fantasía y la realidad convergen para acercar a niñas, niños y adultos a una profunda reflexión sobre los vínculos familiares, la identidad y la esperanza.

El universo visual de la obra cobra vida gracias al diseño y realización de vestuario de Clarisse Monde, el diseño de escenografía e iluminación de Edgar Mora, realización de máscaras de Julieta Anzures y la musicalización de Yurev Vivero, elementos que evocan la riqueza cultural de Guerrero y acompañan el viaje emocional de la protagonista.

La asistencia de dirección está a cargo de Montzerrat Aviléz, quien acompaña el desarrollo escénico y creativo de la puesta en escena.

Desde su fundación en 2018, Raíz y Memoria ha desarrollado proyectos que parten de la reflexión colectiva y el diálogo comunitario. Entre sus participaciones destacan el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro en España y el Festival Internacional Cervantino en México, consolidándose como una agrupación interesada en generar espacios seguros de encuentro, escucha y reflexión a través del teatro.

Con una propuesta visualmente atractiva y emocionalmente cercana, Martina y los hombres pájaro invita al público a mirar la migración desde los ojos de la infancia, explorando temas como la ausencia, el duelo y la esperanza mediante una experiencia teatral sensible y llena de imaginación.

Los boletos se encuentran en venta en la taquilla del Teatro y en Ticketmaster:

https://www.ticketmaster.com.mx/martina-y-los-hombres-pajaro- boletos/artist/4510414

El cargo “Martina y los hombres pájaro”invita a reflexionar sobre la migración desde la mirada de una niña apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La edición de este año representa un momento especialmente significativo. Además de celebrar veinticinco ediciones de acercar al público mexicano a algunas de las propuestas más relevantes del cine alemán contemporáneo, el festival de inicio a las actividades conmemorativas por los 60 años del Goethe-Institut en México, reafirmando una historia compartida de intercambio cultural, pensamiento crítico y diálogo entre ambos países. Bajo el concepto Futuros Desobedientes, el festival propone mirar hacia adelante desde un lugar distinto: el de la imaginación.

Vivimos una época marcada por guerras, crisis climáticas, discursos polarizantes y una creciente sensación de que el futuro ya ha sido escrito. Frente a ese panorama, el cine ofrece un espacio para cuestionar aquello que parece inevitable y abrir la posibilidad de imaginar otras formas de vivir, convivir y construir comunidad.

Las películas reunidas en esta edición no presentan únicamente escenarios tecnológicos o distopías espectaculares. Sus futuros nacen de lo cotidiano. Son relatos donde la desobediencia se manifiesta como empatía, imaginación, fragilidad, cuidado y resistencia. Historias que reinventan los vínculos humanos, desafían las estructuras de poder y exploran nuevas maneras de entender la identidad, el territorio, la memoria, el amor y la pertenencia.

Más que ofrecer respuestas, estas películas invitan a formular nuevas preguntas. A imaginar otros afectos, otras formas de organización social y otras maneras de habitar el mundo. Porque quizá los futuros más urgentes no son aquellos que prometen orden o certezas, sino los que nacen de la capacidad de pensar diferente.

“El Festival de Cine Alemán cumple 25 ediciones consolidándose como uno de los principales encuentros culturales entre México y Alemania. En un contexto internacional complejo, creemos que el cine puede abrir conversaciones necesarias y recordarnos que imaginar también es una forma de transformar la realidad. Esta edición invita justamente a eso: a pensar futuros distintos desde la diversidad de miradas que ofrece el cine alemán y mexicano contemporáneo.”
Pia Entenmann, directora general del Goethe-Institut Mexiko.

Como parte de esta celebración, el festival volverá a presentar una programación integrada por algunas de las producciones alemanas más relevantes del último año, acompañadas por funciones especiales, invitados nacionales e internacionales, conversaciones con realizadores, actividades para públicos diversos y espacios de encuentro entre las comunidades cinematográficas de Alemania y México.

Asimismo, se realizará la tercera edición del Premio Kino, iniciativa que fortalece el intercambio cultural entre ambos países.

El Premio Kino al Mejor Largometraje Alemán, otorgado por Merck Group, reconocerá a una de las películas en competencia con una residencia creativa en la Ciudad de México durante 2027 para la persona directora o un integrante de su equipo.

Por su parte, el Premio Kino al Mejor Cortometraje Mexicano, realizado en colaboración con el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y con el patrocinio de la Embajada de Alemania en México, otorgará a la obra ganadora una acreditación para asistir a un festival de cine en Alemania durante 2027, incluyendo vuelo, hospedaje y alimentos.

La identidad visual de esta edición fue creada por la artista visual mexicana Mónica Loya (Chihuahua, 1990), cuya obra se desarrolla dentro del pop surrealismo y explora la figura humana, particularmente la femenina, así como emociones como la ansiedad, la melancolía y el deseo.

Para el cartel oficial del festival, Loya encontró inspiración en los carteles ilustrados del expresionismo alemán de la década de 1920, las primeras representaciones futuristas del siglo pasado, el maquillaje característico de esa época y la actitud desafiante del movimiento punk.

“Quise que la ilustración y la tipografía dialogaran desde un mismo lenguaje manual y expresivo. Me interesaba conservar una sensación orgánica y rebelde que acompañara la idea de desobedecer aquello que parece establecido. El cartel habla de futuros posibles, pero también de la libertad de imaginar.”
Mónica Loya, artista visual.

A lo largo de veinticinco ediciones, el Festival de Cine Alemán se ha consolidado como una plataforma esencial para el descubrimiento del cine alemán en México, acercando al público obras que dialogan con los desafíos contemporáneos desde la sensibilidad, la innovación y el pensamiento crítico.

Próximamente se anunciarán la programación oficial, las películas en competencia, los invitados especiales, las sedes y las actividades que integrarán esta edición.

El cine nos cuestiona. El cine imagina. El cine desobedece.
25. Festival de Cine Alemán
Futuros Desobedientes | Del 24 de septiembre al 3 de octubre de 2026.

El cargo El 25º Festival de Cine Alemán invita a imaginar otros mundos posibles apareció primero en La Chispa de Chiapas.

“Conformada por 804 piezas (795 arqueológicas, ocho facsimilares y un modelo a escala), la muestra reúne el esplendor de las culturas olmeca, teotihuacana, maya y mexica”, señala el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) en un comunicado.

El INAH también señala que se mostrará un “selecto conjunto de objetos del periodo aldeano del Preclásico Medio (1200-400 a.C.)”, lo cuales provienen de 13 acervos como los museos nacionales de Antropología y de las Culturas del Mundo, así como el Templo Mayor y de las zonas arqueológicas de Teotihuacan, Toniná y Kabah.

La exhibición “representa la culminación de décadas de investigación, conservación y trabajo interdisciplinario”, señala la institución mexicana y especifícia que el eje de la muestra es “la ritualidad y complejidad de las civilizaciones que conformaron el pasado del territorio nacional”

Para Roberto Velasco Alonso, historiador adscrito a la Coordinación Nacional de Museos y Exposiciones y quien forma parte del cuerpo curatorial de la muestra, la instalación es un puente de colaboración cultural entre México y China, el cual brinda la oportunidad de reconocer, en las diferencias y diversidad cultural, las similitudes de ambas naciones.

“Las identidades de las cuatro principales culturas mexicanas serán contrastadas con las creaciones de la otra cuna civilizatoria”, señala Velasco Alonso.
Piezas emblemáticas

De acuerdo con el INAH, “el mito, como territorio de la condición humana, influye cada uno de los cuatro núcleos temáticos, desde la estética olmeca del jaguar, resonante con símbolos milenarios, hasta el urbanismo teotihuacano y la sofisticación plástica maya”.
Imagen de una de las salas de la exposición “Espacios sagrados. Civilizaciones del México antiguo”. Crédito: INAH

Añade que el poderío mexica, “último gran episodio del México antiguo, se presenta como expresión de una tradición que alcanzó cohesión social y fuerza simbólica sin precedentes”.

Se espera que los asistentes “se sumergirán en un espejo de la creatividad humana, en el que la ciencia se pone al servicio de la identidad y la memoria se preserva como riqueza universal”.

Entre las piezas emblemáticas que se mostrarán está la Cabeza Colosal 4, de San Lorenzo, de origen olmeca; de los mayas resalta el Respaldo de trono de Toniná, Chiapas, un relieve en piedra arenisca que rememora el juego de los gemelos divinos contra los señores de la muerte.

Destaca también la escultura, de tamaño real, de Mictlantecuhtli, numen mexica de la muerte, hallada en 1994, en la Casa de las Águilas del Templo Mayor; así como la cabeza monumental de la serpiente emplumada de Teotihuacan.

El cargo Lleva el INAH muestra con casi 800 piezas de las civilizaciones del México antiguo a Shanghái apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La decisión de dedicar una nueva línea curatorial de Techxturas Sonoras a la obra de mujeres nace de una inquietud personal. Más allá de la literatura, Guerrero reconoce que temas como la violencia contra las mujeres, los abusos, la desigualdad, las desapariciones y las profundas diferencias que todavía persisten entre hombres y mujeres forman parte de una realidad dolorosa e imposible de ignorar.

“Para mi, cuando la obra de una mujer que dedicó su vida a escribir se vuelve invisible o deja de formar parte de la conversación cultural, es una desaparición, una forma de violencia ejercida sobre su memoria, su palabra y el lugar que debió ocupar en nuestra historia”.

“Por eso este recital va más allá de un homenaje a estas autoras. Lo que quiero es devolverlas a la conversación. Darles un lugar dentro de mi propia narrativa artística-sonora, y usar el escenario como un dispositivo para traer nuevamente sus palabras al presente”.

En la selección de textos para sus nuevos recitales se incluyen autoras poco presentes en la conversación pública actual, como Esther Tapia de Castellanos, Laura Méndez de Cuenca, María Enriqueta Camarillo, Luisa Muñoz Ledo, María Dolores López, Laura Palavicini y María G. Alvírez, entre muchas otras; junto a figuras más reconocidas como Leona Vicario, Sor Juana Inés de la Cruz, Rosario Castellanos y otras autoras fundamentales de la literatura mexicana.

El recorrido establece un diálogo entre distintas sensibilidades, contextos y formas de permanencia dentro de la historia literaria mexicana, abriendo una zona de descubrimiento en torno a mujeres cuya obra debe circular.

Esta narrativa permite mirar con otros ojos figuras como María Enriqueta Camarillo, cuya nominación al Premio Nobel de Literatura en 1951 abrió para México una primera vinculación con el máximo reconocimiento de las letras, décadas antes del Nobel otorgado a Octavio Paz; María G. Alvírez, poeta nacida en Morelia en 1865, de quien se conservan algunos textos y muy poca información biográfica; María Josefa Guzmán, poeta de quien apenas se sabe que participó en el certamen poético para la inauguración de la estatua de Carlos IV en 1804; o María Dolores López, de Tehuacán, registrada en antologías de poesía femenina del virreinato, pero de quien prácticamente no se conserva más información.  Casos como estos, dejan de manifiesto la desaparición de muchas otras mujeres dentro de la memoria literaria mexicana

Integrado por música electrónica ejecutada en vivo, manipulación sonora de la palabra y visuales sincronizadas en tiempo real, el recital no busca reconstruir el pasado ni convertir estas obras en piezas de museo. Busca activar una nueva forma de encuentro con ellas: traer sus palabras al presente, permitir que vuelvan a circular y abrirles un espacio de escucha dentro de la sensibilidad contemporánea.

Al mismo tiempo, trabajar con estas voces reconfiguró el propio lenguaje de Techxturas Sonoras. La profundidad sonora y visual de este nuevo recital no nace únicamente de los textos, sino también de lo que hay detrás de ellos: mujeres que escribieron en épocas donde la literatura era, en gran medida, un territorio de hombres; mujeres que no solo tuvieron que crear una obra, sino también encontrar maneras de hacerse escuchar, de hacer eco y de ser vistas dentro de contextos que no estaban pensados para ellas. Esa carga —todo lo que había detrás de la escritura y la manera en que estas mujeres tuvieron que encontrar formas de hacer eco y ser reconocidas— atraviesa la concepción de este nuevo repertorio.

Dentro de este recorrido escénico destaca además el concierto conmemorativo por los diez años de Techxturas Sonoras, que se presentará el 24 de septiembre en el Teatro Casa de la Paz. Concebida como una función especial, extendida y colaborativa, esta fecha reunirá a Jairo Guerrero con invitadas que se sumarán al recital en vivo: Leticia García, violonchelista del grupo mexicano Cabezas de Cera; Marina de Ita, acordeonista de la Orquesta Balkan de México y del grupo Las Luz y Fuerza; y Lieval, artista electrónica experimental.

Este recital es una devolución. Una manera de afirmar que la memoria literaria mexicana también está hecha de “ellas”, de las palabras de sus mujeres, y que esas palabras no pertenecen al pasado: son presente.

Próximas Fechas:

• Julio 17 – Festividades en torno al Mundial FIFA WorldCup 2026, Antiguo Palacio de Cortés, Coyoacan, CDMX
• Agosto 8 – Aniversario del Natalicio de Zapata, Anenecuilco, Morelos,  
• Agosto 15 – Festividades en torno al Mundial FIFA WorldCup 2026, Cine Olímpico de Tlalpan, CDMX
• Agosto 26 – Museo Nacional de las Culturas del Mundo, CDMX
• Septiembre 3 – Centro Cultural José Martí, CDMX
• Septiembre 24 – Teatro Casa de la Paz, UAM, CDMX
• Octubre 1 – Libro Fest, Universidad Autónoma Metropolitana UAM, CDMX
• Octubre 28 – Museo Kaluz – Festividades de Día de Muertos, CDMX
• Octubre 31 – Museo de Historia de Tlalpan – Festividades de Día de Muertos, CDMX
• Noviembre 11 – Aniversario Universidad Autónoma Metropolitana UAM, CDMX
• Noviembre 25 – Laboratorio Arte Alameda, CDMX

El cargo Jairo Guerrero rinde homenaje musical a las mujeres que la literatura mexicano no debería olvidar apareció primero en La Chispa de Chiapas.

Además del filme de estreno que ya de por sí es espectacular, para esta edición de cuarto de siglo se anuncian 19 sedes físicas en Ciudad de México y una sede digital, lo que amplía el circuito de exhibición durante estos 11 días de duración del evento. Finalmente MACABRO FICH presenta El monstruo más grande, la imagen oficial de este año que celebra 25 años de difusión, exhibición, promoción y conversación del cine de horror en México.

Cacería de brujas en la Inauguración

Dirigida por el director Paul Urkijo, el filme español Gaua será el encargado de abrir los festejos por los 25 años de MACABRO. Este filme ambientado en la cacería de brujas del País Vasco del siglo XVII muestra la historia de Kattalin, una mujer que huye hacia el bosque luego de tener una vida cargada de opresión y violencia, en donde encontrará leyendas cargadas de criaturas míticas e historia fantástica.

Paul Urkijo es un director y guionista de cine vasco, especializado en cine fantástico y de terror folclórico En 2017 se estrenó con su ópera prima Errementari y posteriormente en 2023 estrenó Irati, nominada en los Premios Goya por Mejor guión adaptado y en el Festival de Cine de Sitges por Mejor Película; y en 2025 estrena Gaua, que recientemente fue nominado en tres categorías de los Premios Goya por Mejor diseño de vestuario, Mejor maquillaje y peluquería y Mejores efectos especiales.

Sedes macabras

Como ya es tradición en MACABRO, diversas sedes de la Ciudad de México albergarán la programación de esta edición especial de aniversario, con el propósito de acercar el cine de horror y fantástico a un público cada vez más amplio. Para celebrar sus 25 años, el festival contará con 19 sedes físicas y una sede digital, consolidando una de las redes de exhibición más importantes para el género en el país.

A lo largo de estos veinticinco años, estos espacios han desempeñado un papel fundamental en la difusión del cine de horror, convirtiéndose en puntos de encuentro para creadores, especialistas y audiencias. Muchas de estas sedes han sido testigos de momentos clave en la historia de MACABRO y han acompañado el crecimiento de un festival que, durante dos décadas y media, ha contribuido de manera decisiva al fortalecimiento y reconocimiento del cine fantástico y de horror en México.

Estas sedes son:

Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”

Cineteca Nacional México

Cineteca Nacional de las Artes

Casa del Cine

Cinematógrafo del Chopo

Centro Cultural de España

Facultad del Cine

Biblioteca Vasconcelos

Biblioteca de México

Museo Panteón de San Fernando

Museo Casa del Risco

Centro de Cultura Digital

Cine Villa Olímpica

Circo Volador

Centro Cultural Futurama

Cine Víctor Manuel Mendoza

FARO de Oriente

FARO Cosmos

Museo Mexicano del Diseño

nuestrocine.mx

El monstruo más grande

Creada por Roxana Deneb Ruiz y Diego Álvarez, el dúo detrás de los diseños de MACABRO, este año la imagen oficial mantiene la estética demoníaca que caracteriza al festival, sólo que ahora rodeada de llamas, monstruos, seres y demonios que habitan en los más profundo del infierno.

Veinticinco años después de su nacimiento, MACABRO celebra una historia construida junto a cineastas, especialistas y audiencias que han hecho del cine de horror mucho más que un género: un espacio para explorar nuestros miedos, imaginar otros mundos y construir comunidad.

El cargo Cartel oficial, sedes y cacería de brujas en los 25 años de MACABRO FICH apareció primero en La Chispa de Chiapas.

 Como parte de la programación 2026 de Shakespeare & Cía, se presenta Niñas y Niños, obra del dramaturgo británico Dennis Kelly, dirigida por Itari Marta y protagonizada por Amaya Blas.

 La historia comienza con un encuentro inesperado en un aeropuerto. De ahí surge una relación intensa, caótica y apasionada que pronto parece acomodarse a la estructura de una vida convencional: casa, trabajo, hijos. Una familia aparentemente normal. Sin embargo, la historia avanza hacia un territorio inquietante donde esa normalidad empieza a fracturarse.

 Con el humor negro y la agudeza que caracterizan la escritura de Kelly, Niñas y Niños propone una mirada incisiva a la estructura familiar contemporánea y a las formas en que el trauma puede transmitirse entre generaciones. A través de una narración vertiginosa y profundamente irónica, la obra revela cómo aquello que entendemos como vida cotidiana puede esconder fisuras profundas.

 “Niñas y Niños parte de una historia aparentemente normal para revelar algo mucho más inquietante: cómo las estructuras que creemos naturales pueden contener una enorme violencia.”
— Itari Marta, directora

 La presentación de Niñas y Niños dialoga con el ACTO II de la programación 2026 de Shakespeare & Cía, un bloque que este año se articula alrededor de Brujas 4 · Incendio Escénico, convocatoria dedicada a nuevas dramaturgias feministas que buscan interrogar las estructuras sociales de nuestro tiempo. En ese contexto,  Niñas y Niñas propone mirar hacia el origen de muchas de esas tensiones: la familia, la infancia y los relatos que moldean nuestras relaciones.

 Temporada

5, 12, 19, 26 de junio y 3 de julio en el Espacio Urgente 2 del Foro Shakespeare

 Créditos

Dramaturgia: Dennis Kelly
Dirección: Itari Marta
Elenco: Amaya Blas

Traducción y adaptación: Paula Zelaya Cervantes

Producción: Solovino Producciones
Producción ejecutiva: Roberto Cavazos y Hanna Berumen

Diseño de iluminación y escenografía: Thalía Palacios

Asistente de dirección: Verónica Barba
Asistente de producción: Fernanda Medina

Fotografía: María José Alós
Diseño gráfico: Laura Martínez

 Shakespeare & Cía

Donde reír, llorar y revolucionar caben en el mismo lugar.

 @shakespeareycia

@foro.shakespeare

El cargo Regresa Niñas y Niños, Alejandra Ambrosi madrina este viernes 5 de junio apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La primera edición de la Subasta de Arte Latinoamericano 2026 de Morton Subastas comenzó este jueves 28 de mayo con una respuesta que confirmó el extraordinario momento que vive el mercado artístico de la región. Desde las primeras pujas, el salón de subastas ubicado en Lomas de Chapultepec se convirtió en escenario de una intensa actividad entre coleccionistas, inversionistas, galeristas y especialistas interesados en algunas de las piezas más relevantes del arte latinoamericano moderno y contemporáneo.

La expectativa generada durante las semanas previas se trasladó con éxito a la sala, donde una cuidada selección de obras de importantes maestros del siglo XX y creadores contemporáneos despertó el interés de compradores nacionales e internacionales, consolidando a Morton Subastas como uno de los espacios de referencia para la comercialización y difusión del patrimonio artístico latinoamericano.

La jornada estuvo marcada por la presencia de firmas históricas cuya sola aparición en el catálogo elevó el interés del sector. Obras de Diego Rivera, Rufino Tamayo, David Alfaro Siqueiros y Jesús Helguera atrajeron la atención de los asistentes, confirmando el enorme atractivo que siguen ejerciendo los grandes nombres que contribuyeron a definir la identidad visual de México y América Latina durante el siglo pasado.

El entusiasmo también se extendió hacia piezas de autores fundamentales como Ángel Zárraga, Francisco Zúñiga y Miguel Covarrubias, artistas cuya obra continúa ocupando un lugar privilegiado dentro de las colecciones más importantes del continente. La diversidad de estilos, corrientes y generaciones representadas en el catálogo permitió observar un panorama amplio de la riqueza creativa que ha caracterizado al arte latinoamericano durante más de un siglo.

Uno de los momentos más comentados de la jornada giró en torno a la obra Los Pergaminos, una pieza que captó la atención de coleccionistas y especialistas por su singular representación de algunas de las figuras intelectuales más influyentes de la cultura mexicana. La obra, considerada uno de los lotes más atractivos de la subasta, se convirtió en uno de los puntos de conversación dentro de una sesión donde la historia, el arte y el coleccionismo convergieron de manera natural.

La oferta artística también evidenció el creciente interés que existe por las expresiones contemporáneas de América Latina. Creadores como Bruno Widman, Ana Mercedes Hoyos, Alfredo Alcalde, Aldo Chaparro y Armando Zesatti formaron parte de una selección que mostró la vitalidad de un mercado en constante evolución y cada vez más presente en los circuitos internacionales de arte.

Más allá de los resultados comerciales, la subasta confirmó la capacidad de Morton para reunir en un mismo espacio obras que dialogan entre distintas épocas y sensibilidades artísticas. El encuentro permitió apreciar cómo las preocupaciones estéticas, sociales y culturales que han marcado la historia latinoamericana continúan encontrando eco entre nuevos coleccionistas y públicos interesados en preservar y valorar este legado.

La exhibición previa de los lotes, abierta durante varios días antes de la puja, también contribuyó a generar una importante afluencia de visitantes, quienes pudieron observar de cerca piezas que rara vez coinciden en una misma muestra. Este acercamiento permitió fortalecer el interés de potenciales compradores y reafirmó el papel de Morton Subastas como una plataforma que acerca el arte al público más allá de la dinámica comercial.

Con una apertura que superó las expectativas y una participación activa de coleccionistas provenientes de distintos sectores, la primera Subasta de Arte Latinoamericano 2026 se perfila ya como uno de los acontecimientos más relevantes del calendario cultural y artístico de la Ciudad de México. El éxito alcanzado durante esta primera jornada confirma el creciente valor que el arte latinoamericano mantiene dentro del mercado internacional y demuestra que las grandes firmas del continente continúan despertando pasión, interés y confianza entre quienes buscan invertir en obras de enorme trascendencia histórica y estética.

El cargo Morton Subastas inaugura con gran éxito su primera Subasta de Arte Latinoamericano 2026 apareció primero en La Chispa de Chiapas.