Se trata de un homenaje a la memoria literaria de México desde la sonoridad electrónica, desarrollado a través de una propuesta escénica transmedia en la que Guerrero articula música electrónica interpretada en vivo, voces literarias grabadas y creación audiovisual para reactivar esa memoria en el presente desde nuevos lenguajes sonoros y visuales.

A lo largo de una década, Techxturas Sonoras ha construido su universo a partir de la palabra de algunas de las figuras esenciales de la literatura mexicana, desde el siglo XIX hasta distintas generaciones del siglo XX. En su recorrido aparecen nombres como Amado Nervo, Manuel José Othón, María Enriqueta Camarillo, José Gorostiza, Efraín Huerta, Rosario Castellanos, Octavio Paz, Esther Tapia de Castellanos, Laura Méndez de Cuenca, María Enriqueta Camarillo, Juan José Arreola, entre muchos otros.

A lo largo de estos diez años, este diálogo a llegado a universidades, teatros, espacios culturales, ferias del libro y festivales músicales y de arte sonoro de México, Estados Unidos, Colombia y Ecuador, al tiempo que ha desarrollado distintas ediciones concebidas alrededor de autores, territorios y episodios específicos de la memoria cultural del país. Su acervo también se ha extendido al terreno discográfico a través de diversos trabajos, entre ellos uno de los más recientes, Sexto Sentido, álbum inspirado en el cuento homónimo de Amado Nervo, que recibió una Medalla de Bronce en los Global Music Awards de California.

Para celebrar estos diez años, Guerrero ha preparado un recital especial y extendido dedicado a mujeres poetas mexicanas, con un repertorio centrado en autoras que construyeron su obra en épocas en las que la literatura estaba profundamente marcada por estructuras dominadas por los hombres y cuyas voces, con el paso del tiempo, fueron perdiendo presencia o relevancia dentro de la memoria cultural.

La función del décimo aniversario contará además con cuatro artistas invitadas provenientes de distintas vertientes de la escena musical y experimental mexicana.

Leticia García, violonchelista e integrante de Cabezas de Cera, una de las agrupaciones mexicanas de mayor trayectoria dentro de la música experimental.

Marina de Ita Castillo, acordeonista de la Orquesta Balkan de México y del grupo Las Luz y Fuerza, grupos con una trayectoria que cruza distintas tradiciones y lenguajes contemporáneos.

Ruth Cabrera, performer vocal, participará desde la interpretación de la palabra, uno de los elementos fundamentales en la construcción sonora del proyecto.

Leslie Sandoval, a.k.a. LIEEVAL, artista sonora de la escena experimental contemporánea, cuyo lenguaje está atravesado por el ambient y el surrealismo musical.

Jairo Guerrero cuenta con más de tres décadas de trayectoria dentro de la música electrónica. Su carrera ha transitado por la producción musical, la composición, la experimentación sonora y la creación audiovisual, con proyectos desarrollados tanto en México como en el extranjero.

Es miembro de The Recording Academy —GRAMMY®— y de la Latin Recording Academy —Latin GRAMMY®—. Ha recibido múltiples reconocimientos internacionales entre los que se cuentan 4 Global Music Awards.

Desde enero de 2026 conduce además Atmósfera Cero, programa especializado en música experimental transmitido por OPUS 94 del Instituto Mexicano de la Radio (IMER).

Fecha: Jueves 24 de septiembre de 2026

Hora: 20:00 h

Lugar: Centro Cultural y Académico Teatro Casa de la Paz — UAM Cozumel 33, colonia Roma Norte, Ciudad de México

Cuota de recuperación: $180 MXN

Adquiere tus accesos en: https://teatrocasadelapaz.uam.mx/cartelera/jairo-guerrero/ https://www.soyjairoguerrero.com/conciertodecada

Precio con descuento: $90 MXN para comunidad UAM, estudiantes, docentes e INAPAM, de acuerdo con las políticas del recinto.

El cargo Techxturas Sonoras, de Jairo Guerrero, celebra con un concierto especial una década de diálogo entre la memoria literaria y la música electrónica apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La convocatoria reunió 93 propuestas de artistas de todo el país. Tras el proceso de evaluación, por parte de la curaduría de Mexicráneos, tres proyectos quedaron como finalistas, pasando a la etapa de votación por parte de la comunidad.

Los artistas seleccionados fueron Wifrano González Moreno, cuya obra explora la memoria, el tiempo y la transformación de las experiencias vividas; Giovanni M. Blancas, su trabajo vincula arte contemporáneo, identidad mexicana y cultura visual; y Natalia Ricaud, muralista y creadora de SOY NATALIA.

La decisión del ganador estuvo en manos del público. Los tres proyectos se presentaron en el Instagram de @byebyefriend_, donde se dieron a conocer las historias que los inspiraron y la gente pudo votar por la que consideraron que mejor representó ese vínculo de amor incondicional con los animales de compañía.

Bye Bye Friend anunciará en sus redes sociales el 14 septiembre, al ganador que se integrará a Mexicráneos 2026 en Paseo de la Reforma.

El cargo “Su huella es para siempre”: Conoce quién será parte de Mexicráneos en Paseo de la Reforma apareció primero en La Chispa de Chiapas.

En la conferencia matutina de Palacio nacional, Sheinbaum Pardo detalló que además de los artistas que darán su show el 15 de septiembre también se desplegará un espectáculo de fuegos artificiales.

Los artistas que estarán presentes la noche del 15 de setpeimbre son:

Grupo de la Secretaría de Marina.
Mariachi de la Secretaría de la Defensa Nacional.
Mariachi de la Guardia Nacional.
José Alfredo Jiménez Medel, nieto de José Alfredo Jiménez.
Legado de Grandeza.
Sergio Maya, Carmen María y Galia Siurob, ganadores del concurso México Canta.

El show principal será el grupo Intocable, entre cuyas canciones más representativas destacan “¿Y todo para qué?”, “Fuerte no soy”, “Sueña”, “Coqueta”, “Enséñame a olvidarte” y “Aire”. A lo largo de su carrera han obtenido múltiples galardones internacionales, incluidos premios Grammy y Grammy Latino, además de registrar récords de asistencia en recintos masivos de México y Estados Unidos.

Se espera que las celebraciones por el Grito de Independencia en el Zócalo capitalino comiencen aproximadamente a las 19:00 h del 15 de septiembre. El punto culminante será cuando la mandataria mexicana salga al balcón principal de Palacio Nacional para llevar a cabo la ceremonia.

Como parte de los festejos patrios, la también llamada Plaza de la Constitución se iluminará con los ya tradicionales juegos pirotécnicos.

El cargo ¿Qué artistas se presentarán en el Zócalo CDMX el 15 de septiembre? apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La selección representa un nuevo paso en el recorrido internacional de esta coproducción entre México y Brasil, realizada por Fotosíntesis Media y Tortuga Studios, y lleva a Londres una historia construida desde la identidad mexicana, en la que la mitología mexica, el muralismo y los vínculos familiares convergen a través de la animación.

El propio equipo de programación del festival destacó especialmente la relación entre padre e hija y la presencia de la mitología mexicana, dos elementos que permiten a la película partir de un universo profundamente local para conectar con públicos de otras culturas a través de una historia universal sobre la familia, la identidad y la necesidad de reencontrarse.

“Mi Amigo el Sol nace del deseo de reconectar con nuestras raíces y reimaginar las historias que nos formaron. A través de la animación buscamos acercar nuestra mitología a nuevas generaciones desde un lugar vivo y emocional, pero sobre todo contar una historia profundamente humana: la de un padre y una hija que intentan entenderse en un mundo que los desafía. Al final, esta es una película sobre la esperanza: sobre cómo el amor, la empatía y la imaginación pueden crear nuevos soles”, señala Alejandra Pérez González.

Con Mi Amigo el Sol, Alejandra Pérez González se convierte en una de las primeras mujeres en México en dirigir un largometraje animado, marcando un precedente dentro de la industria cinematográfica nacional. La directora, originaria de Tabasco y cofundadora de MUMA (Mujeres en el Mundo de la Animación), ha desarrollado su carrera en áreas como diseño de personajes, storyboard y supervisión de animación.

La película sigue a Diego y su hija Xóchitl, una joven artista cuyo mural abre un portal hacia Tollan, el mundo de los dioses mexicas. Ahí, Xóchitl es señalada como la elegida para convertirse en el Sexto Sol, mientras Tezcatlipoca busca apoderarse de ese poder. Separados entre dos mundos, padre e hija deberán enfrentarse a dioses, criaturas míticas y sus propios conflictos para volver a encontrarse.

Realizada en animación 2D, con una duración de 85 minutos, Mi Amigo el Sol es producida por Miguel Ángel Uriegas, quien también firma el guion junto a Joná Barceló. Cuenta con las voces de Moisés Iván Mora, Ana Tena, Silverio Palacios y Humberto Solórzano, la participación especial de Erasmo Catarino y una canción original de Ximena Sariñana.
La participación en Londres se suma al recorrido de la película después de formar parte de la Selección Oficial de Largometraje Internacional de Animación del 41º Festival Internacional de Cine en Guadalajara, y abre una nueva ventana internacional para una producción que apuesta por llevar la animación y la identidad cultural mexicana a nuevas audiencias.

El cargo MI AMIGO EL SOL LLEVA LA ANIMACIÓN MEXICANA AL BFI LONDON FILM FESTIVAL apareció primero en La Chispa de Chiapas.

Inspirada en la práctica del frontón aficionado, un espacio profundamente masculinizado y cargado de códigos sociales, afectivos y generacionales, la obra convierte este deporte en una metáfora para hablar de aquello que se transmite entre padres e hijos: los afectos, las violencias, los silencios, los miedos y las formas de amar.

Desde una perspectiva autobiográfica, el proyecto surge de la necesidad de confrontar una pregunta humana: ¿qué hacemos con aquello que heredamos y no queremos repetir? A través del biodrama, la coreografía y una estética inspirada en el deporte, la pieza entrelaza memoria, cuerpo y movimiento para construir un lenguaje escénico que oscila entre el documento, la ficción y la experiencia sensorial.

La obra busca abrir un espacio de reflexión sobre la paternidad, el paternalismo, el vicio, la identidad masculina y las posibilidades de transformar los modelos de hombre que hemos recibido; invita al público a cuestionar las narrativas heredadas y a imaginar otras formas de habitar la masculinidad desde la vulnerabilidad, el cuidado y el afecto.

A nivel escénico, la propuesta combina herramientas propias de la danza contemporánea, la teatralidad documental y la lógica física del frontón. El movimiento dialoga con la repetición, el esfuerzo, el impacto y el rebote como principios coreográficos, mientras que los elementos visuales evocan el universo de las canchas, la memoria familiar y los rituales cotidianos que rodean este deporte. El resultado es una experiencia donde el cuerpo se convierte en archivo y el espacio escénico en un territorio de confrontación íntima.

El recorrido emocional del espectador transita entre la nostalgia, la tensión, la empatía, el humor sutil y la conmoción. La obra propone reconocer experiencias personales en una historia particular, despertando preguntas sobre la propia relación con la herencia familiar y los vínculos afectivos.

Ricardo Daniel, creador e intérprete de la puesta en escena, es bailarín, coreógrafo, artista visual y docente. Su trabajo explora la cultura popular y su vínculo con el contexto sociopolítico mediante propuestas escénicas sonoras y visuales. Ha presentado su obra en México, Argentina, Brasil, España, Alemania y Francia, y es fundador de El Entresuelo y PERMANENTE.

El proyecto cuenta con la dirección de Camila Arroyo, coreógrafa, directora y bailarina mexicana; diseño sonoro y música original de Sebastián Rojas, diseño de espacio e iluminación y operación técnica de Laura Abad y, en las asistencias de producción y dirección, Fátima Méndez y Santiago Villalpando, respectivamente.

Carpa: Herencia de rebote ofrecerá temporada del 10 al 27 de septiembre en el teatro Orientación Luisa Josefina Hernández del Centro Cultural del Bosque. Las funciones serán los jueves y viernes a las 20 horas, sábados a las 19 horas y domingos a las 18 horas. La duración aproximada es de 75 minutos y la edad recomendada es para personas de 16 años en adelante. El costo del boleto es de $150 pesos.

El cargo Carpa: Herencia de rebote, una pieza escénica que explora la construcción de la masculinidad contemporánea apareció primero en La Chispa de Chiapas.

Integrado por Jerónimo González, Roberto Verástegui, Diego Franco, Daniel Vadillo y Andrés Márquez, el grupo define su sonido como “Nu Jazz Regional Mexicano”. El concepto, sin embargo, no busca presentar una simple combinación de géneros, sino explorar la manera en que las tradiciones pueden transformarse sin perder su identidad.

El álbum parte de una imagen cercana a las celebraciones populares mexicanas, donde la música altera por unas horas el ritmo habitual de una comunidad y convierte calles, plazas y espacios cotidianos en lugares de convivencia. Bajo esa idea, Mexica No Jazz construye composiciones en las que la jarana, el acordeón, el zapateado y las percusiones tradicionales conviven con sintetizadores, texturas electrónicas y amplios pasajes de improvisación.

Para la agrupación, hablar del futuro de la música mexicana no significa dejar atrás sus raíces ni recubrirlas con recursos tecnológicos. Su propuesta entiende la tradición como una práctica viva que cambia cada vez que se interpreta, se comparte o se adapta a una nueva generación.

Ese planteamiento también se refleja en las colaboraciones incluidas en el disco. Lucía participa en el tema “Tabasco”; BIGYUKI aparece en “Nepo Beibi”; Jason Lindner interviene en “Cascabel”, y Michael League forma parte de “Llorona”. Cada invitado aporta una perspectiva distinta al lenguaje musical desarrollado por el quinteto.

El material cuenta además con la presencia de Raquel Palacios Vega y Enrique Palacios Vega, figuras reconocidas dentro del son jarocho. Su participación establece un vínculo directo con una tradición transmitida entre generaciones y refuerza una de las ideas centrales del proyecto: la música tradicional no pertenece únicamente al pasado, sino que continúa modificándose desde el presente.

Más que reproducir repertorios conocidos o utilizar instrumentos regionales como elementos decorativos, Mexica No Jazz intenta recuperar el carácter comunitario de la música. Las piezas fueron concebidas como espacios abiertos en los que el público pueda involucrarse y reconocerse, de manera semejante a lo que ocurre durante una fiesta popular.

Con Futurismo Tradicional, la agrupación propone una lectura contemporánea de la identidad musical mexicana, alejada tanto de la nostalgia inmóvil como de la experimentación sin contexto. El disco estará disponible a partir del viernes 28 de agosto de 2026 en todas las plataformas digitales.

El cargo MEXICA NO JAZZ rompe fronteras entre el son mexicano, el jazz y la electrónica apareció primero en La Chispa de Chiapas.

Y cuando un compañero deja una huella tan grande, también se buscan maneras para mantener presente lo que se vive a su lado: una fotografía, juguete o recuerdo. Pero ¿qué pasaría si esa historia pudiera convertirse en una obra que todos vean?

A partir de esta idea, Bye Bye Friend y Mexicráneos se unen para invitar a artistas a participar en la convocatoria “Una amistad que nunca termina”, un proyecto que busca transformar la relación compartida con un animal de compañía en una pieza de arte monumental inspirada en aquello que los hace especiales.

La propuesta encuentra un espacio en el proyecto de arte urbano que todos los años reúne a miles de visitantes; Mexicráneos, que durante nueve años ha llevado el arte monumental a las calles de México.

Desde su primera edición en 2017, la iniciativa ha reunido a artistas para intervenir cráneos de gran formato y convertir el espacio público en un lugar para encontrarse con el arte, cultura y distintas formas de entender la memoria. Tan solo en 2025, Mexicráneos recibió un estimado de 3.5 millones de visitantes en Paseo de la Reforma.

Este año, la pieza ganadora será intervenida por el artista seleccionado en Casa Milán y posteriormente formará parte de la exhibición anual en Paseo de la Reforma CDMX.

¿Cómo participar?

La convocatoria estará disponible del 11 al 30 de agosto del 2026, hasta las 23:59 horas. El registro deberá realizarse mediante el formulario en línea: https://convocatorias.mexicraneos.mx/byebyefriend

Del 3 al 7 de septiembre, un jurado especializado realizará la preselección de 3 artistas quienes serán notificados vía telefónica.

Del 8 al 13 de septiembre, a través de la cuenta oficial de Bye Bye Friend en Instagram, se llevará a cabo la votación entre los tres finalistas para elegir al ganador.

El 14 de septiembre se dará a conocer al artista seleccionado, quien será notificado vía telefónica y anunciado en las redes oficiales de @byebyefriend_ en Instagram y Facebook.

La convocatoria “Una amistad que nunca termina” busca convertir una historia personal en una obra que pueda ser compartida con miles de personas y recordar que, aunque cada mascota tiene una historia distinta, hay algo que todas tienen en común: la huella que dejan en quienes las aman.

El cargo El amor por tu mascota puede ser monumental: Bye Bye Friend y Mexicráneos lanzan convocatoria para artistas apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La obra, escrita y dirigida por Gabriela Ochoa, ha logrado consolidarse como uno de los montajes contemporáneos más destacados de la escena nacional gracias a una propuesta que combina teatro, música en vivo, máscaras, humor y una poderosa narrativa visual para abordar uno de los territorios más complejos de la experiencia humana: la memoria.

La historia comienza cuando un hombre, perdido en medio de una tormenta, se encuentra con tres enigmáticos payasos que lo convencen de entrar en una feria abandonada. A partir de ese momento inicia un recorrido por diversas atracciones donde revive episodios aparentemente olvidados de su infancia. Lo que en un principio parece un juego lleno de imaginación pronto se transforma en una experiencia inquietante, donde los recuerdos adquieren nuevas formas y la frontera entre la realidad, el sueño y la pesadilla comienza a desaparecer.

Los misteriosos payasos reconstruyen frente al protagonista el universo de su niñez. Recrean la casa donde creció, interpretan a los personajes que marcaron su pasado y lo invitan a recuperar el espíritu lúdico que alguna vez definió su infancia. Sin embargo, conforme avanza el viaje, aquello que parecía un reencuentro con los recuerdos felices revela una memoria profundamente escondida. Enfrentarse a ese acontecimiento olvidado será la única posibilidad de escapar del laberinto construido por su propia mente.

Como explica su directora, Algodón de Azúcar reflexiona sobre la relación que las personas adultas mantienen con su infancia y sobre la manera en que ciertos recuerdos permanecen ocultos durante años hasta encontrar el momento de salir a la superficie. La obra explora el desbloqueo de una memoria traumática, pero también celebra la imaginación, la inocencia, el juego y la capacidad de asombro que caracterizan esa etapa de la vida, construyendo un delicado equilibrio entre la fantasía, el humor y la oscuridad.

Desde su estreno, el montaje ha sido reconocido tanto por la crítica especializada como por el público. En 2025 recibió el Premio Talía al Mejor Espectáculo Latinoamericano de Artes Escénicas, otorgado por la Academia de las Artes Escénicas de España, uno de los reconocimientos internacionales más importantes para las producciones iberoamericanas. Asimismo, obtuvo los Premios Metropolitanos de Teatro en las categorías de Mejor Actor Principal, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Diseño Sonoro, además del reconocimiento de la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) al Mejor Diseño de Iluminación, consolidándose como una de las producciones más premiadas del teatro mexicano reciente.

El elenco está integrado por Alejandro Morales, Romina Coccio, Carolina Garibay, Miguel Romero y Francisco Mena, quienes construyen un universo donde los personajes cambian constantemente de identidad para dar forma a los recuerdos del protagonista. A ellos se suman los músicos escénicos Paco Castañeda, en el acordeón, y Misha Marks, en la tuba, cuya presencia en escena aporta una dimensión sonora que acompaña permanentemente el tránsito entre la realidad y la imaginación.

La propuesta visual constituye uno de los mayores atractivos del montaje. La escenografía de Félix Arroyo convierte el escenario en una feria abandonada llena de símbolos; el diseño de iluminación de Ángel Ancona construye atmósferas que oscilan entre la fantasía y la pesadilla; mientras que la música original y el diseño sonoro de Genaro Ochoa acompañan emocionalmente el viaje del protagonista. A ello se suman el vestuario de Giselle Sandiel, el diseño de video de Azael Sáenz y Cristian Cabrera, las máscaras creadas por Felipe Lara y Gabriela Ochoa, la realización de máscaras y utilería de Felipe Lara, el maquillaje de Maricela Estrada, el diseño gráfico de Paco Argumosa y la asesoría coreográfica de Iván Ontiveros, conformando un universo escénico donde cada elemento contribuye a construir una experiencia profundamente inmersiva.

Originalmente coproducida por Teatro UNAM, Conejillos de Indias y Sempiterno Theatrum, Algodón de Azúcar ha demostrado que el teatro puede abordar temas complejos desde una mirada poética y profundamente humana. Su combinación de teatro físico, música en vivo, imágenes oníricas y una narrativa que dialoga con la memoria emocional convierte cada función en una experiencia que invita al público a preguntarse qué recuerdos permanecen ocultos y de qué manera siguen moldeando nuestra vida adulta.

Las funciones se realizarán el sábado 15 de agosto a las 19 horas y el domingo 16 de agosto a las 18 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Los boletos ya se encuentran disponibles en la taquilla del recinto y a través de Ticketmaster, como parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Admisión: Luneta $400, Primer Piso Central $350, Primer Piso $350, Anfiteatro $300 y Galería $ $200

Venta anticipada: Obtén el 30% de descuento en la taquilla del recinto o en línea con el código AZUCAR, válido hasta el 30 de julio del 2026

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, en las redes sociales: Facebook @TeatrosCDMX, X @TeatrosCDMX e Instagram @teatroscdmx

El cargo Algodón de Azúcar, regresa para dar dos funciones especiales 15 y 16 de agosto en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris apareció primero en La Chispa de Chiapas.

Para la delegación brasileña, según señaló durante la asamblea celebrada en la ciudad surcoreana de Busán, la inscripción del Teatro Amazonas —construido en 1896 en Manaos—, y del Theatro da Paz —de 1878 en Belém— tiene “una importancia particular”, porque constituye la primera vez que un bien cultural ubicado en la Amazonia de Brasil se suma a la lista.

Ante el comité de la organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura, el presidente del Instituto del Patrimonio Histórico y Artístico Nacional de Brasil destacó el “logro histórico” que supone el reconocimiento de que, además de constituir un paradigma de patrimonio natural y ambiental, la Amazonía es productora de culturas, memorias e identidad.

“Se trata, por tanto, de un sitio patrimonial que muestra al mundo la riqueza de la diversidad cultural de la Amazonía brasileña”, dijo el delegado brasileño Deyvesson Israel Alves Gusmão.

Actualmente, estos espacios no sólo acogen representaciones de ópera y producciones teatrales, sino actividades de una amplia variedad artística, como la danza carimbó, jazz o cine.
Teatro históricos

Los dos teatros fueron construidos a finales del siglo XIX en los dos mayores centros urbanos de la Amazonia con los recursos generados por el auge de la explotación del caucho, cuando la demanda mundial del látex convirtió a la región en uno de los principales polos económicos de Brasil y permitió reproducir en el trópico el refinamiento cultural y arquitectónico europeo.

El levantamiento de esas construcciones en una región aislada y rodeada por la selva, adonde prácticamente todos los materiales debían llegar por barco tras cruzar el Atlántico y remontar el río Amazonas, resulta sorprendente incluso en épocas modernas.
El Teatro Amazonas se construyó en 18 en Manaos durante la bonanza de la extracción de caucho de la región
Fotografía del 26 de Junio de 2026 de la fachada del Teatro Amazonas en Manaos, Brasil. Crédito: EFE

Incluso inspiró la célebre película “Fitzcarraldo”, del director alemán Werner Herzog en 1982, y la ópera “Florencia en el Amazonas”, de los mexicanos Daniel Catán y Marcela Fuentes-Beráin, estrenada en 1996 y que recientemente fue la segunda ópera en español en la Metropolitan Opera House en casi un siglo.

Tanto el Teatro Amazonas como el Theatro da Paz acogieron durante décadas compañías de ópera, orquestas y artistas europeos que llegaban hasta la Amazonía atraídos por la riqueza de la región, convirtiéndose en símbolos del intercambio cultural entre América y Europa en los siglos XIX y XX.

El cargo La Unesco declara que los teatros de ópera de la Amazonia brasileña son parte del Patrimonio Mundial apareció primero en La Chispa de Chiapas.

La obra cuenta la historia de Martina, una niña que enfrenta la ausencia de su padre migrante y que, para comprender el dolor que la atraviesa, emprende un viaje fantástico donde la imaginación transforma la realidad. A través de un universo poético lleno de personajes extraordinarios, aventuras y símbolos inspirados en la cultura guerrerense, la protagonista descubrirá nuevas formas de entender la pérdida, la esperanza y la resiliencia.

Creada por la compañía mexicana Raíz y Memoria, especializada en la producción de espectáculos escénicos para sala y espacios abiertos, la puesta en escena se inspira en la región de Tierra Caliente, Guerrero, incorporando elementos visuales, sonoros y culturales que dialogan con una de las problemáticas sociales más significativas de nuestro país: la migración.

El elenco está integrado por Bruceth Boyzo, Alondra Mina, José Uriel García Solís y Erick Herrera Borja, quienes dan vida a personajes humanos y fantásticos que acompañan a Martina en esta travesía de descubrimiento.

La dramaturgia de Mónica Hoth,y la dirección de Rodolfo Soto construyen un relato sensible en el que la fantasía y la realidad convergen para acercar a niñas, niños y adultos a una profunda reflexión sobre los vínculos familiares, la identidad y la esperanza.

El universo visual de la obra cobra vida gracias al diseño y realización de vestuario de Clarisse Monde, el diseño de escenografía e iluminación de Edgar Mora, realización de máscaras de Julieta Anzures y la musicalización de Yurev Vivero, elementos que evocan la riqueza cultural de Guerrero y acompañan el viaje emocional de la protagonista.

La asistencia de dirección está a cargo de Montzerrat Aviléz, quien acompaña el desarrollo escénico y creativo de la puesta en escena.

Desde su fundación en 2018, Raíz y Memoria ha desarrollado proyectos que parten de la reflexión colectiva y el diálogo comunitario. Entre sus participaciones destacan el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro en España y el Festival Internacional Cervantino en México, consolidándose como una agrupación interesada en generar espacios seguros de encuentro, escucha y reflexión a través del teatro.

Con una propuesta visualmente atractiva y emocionalmente cercana, Martina y los hombres pájaro invita al público a mirar la migración desde los ojos de la infancia, explorando temas como la ausencia, el duelo y la esperanza mediante una experiencia teatral sensible y llena de imaginación.

Los boletos se encuentran en venta en la taquilla del Teatro y en Ticketmaster:

https://www.ticketmaster.com.mx/martina-y-los-hombres-pajaro- boletos/artist/4510414

El cargo “Martina y los hombres pájaro”invita a reflexionar sobre la migración desde la mirada de una niña apareció primero en La Chispa de Chiapas.